Carta a Vincent

Hola amig@s, hoy me vais a permitir que le escriba esta carta a Vincent, como si el pudiera leerla...

Querido Vincent:

Te escribo desde mi rinconcito de siempre. Acabo de enfrentarme a la cruda realidad, el ENIGMÁTICO mundo del Arte, y te preguntarás porqué te digo esto. Tras más de diez años pintando, aprendiendo día a día, madurando mi obra, reflexionando, he decidido mostrar mi obra al público. Me he enfrentado a mis primeras exposiciones individuales. Y cómo no, los comienzos están siendo cuanto menos "muy complicados". Te afanas sin parar día tras día en preparar una obra sólida, que refleje tu personalidad, con la mayor de las ilusiones, y te encuentras con la mayor de las tristezas.

No he vendido ni una sola obra y apenas si un puñado de personas se acercan a ver mi trabajo. Quizá no se si sea el momento equivocado, la situación, o que simplemente me queda mucho camino por recorrer. Pero el caso es que aunque tras estudiar tu vida y obra y la de otros muchos artistas, pensaba que el mundo del Arte era complejo, pero ahora estoy viviendo esto en mis propias carnes. Aunque yo siempre tendré que agradecer a las personas que me dan la oportunidad de mostrar mis trabajos al público, y cómo no, a todas aquella gente que volcando su interés en mi trabajo se toman la molestia de visitar mis exposiciones y mostrarme su apoyo sobre todo en estos difíciles comienzos.

Yo aunque algo triste, porque a veces las situaciones te desbordan y más si eres una persona frágil y sensible como yo y como tu eras, continuo con mi empeño de trabajar para ir mejorando en cada pincelada que aporto a la obra. Tengo en mente muchas ideas para plasmar, ahora por ejemplo estoy trabajando en una serie de acuarelas sobre mi pueblo, Loja. Me siento muy satisfecha con las obras que estoy preparando para mi próximo reto, mi exposición para Febrero en mi pueblo. Y es por eso que estoy preparando estas acuarelas con una ilusión "especial" para mostrárselas a mi gente, a mi familia, amigos, en la tierra que me vió nacer y crecer durante 25 años. Yo no voy a decaer y seguiré luchando para que algún día mi trabajo sea reconocido, y si al menos una persona ve mi trabajo y lo admira, me sentiré la mujer más feliz del mundo. Porque en definitiva, mis obras, son un reflejo de lo que yo siento, pienso, veo, son un reflejo de mi día a día...

Sin más, espero que la próxima vez que me dirija a ti sea para decirte que mi Exposición en Loja ha sido todo un éxito.

Con toda mi admiración, Caro.

Barcas en la playa (1888)

En aquél caluroso verano de 1888 en Arlés, Van Gogh viajó por los alrededores de este pueblo buscando la inspiración. Porque cabe recordar que Vincent se inspiraba mirando a su alrededor, observando , paseando.. Saintes-Maries fué un magnífico lugar de inspiración para Van Gogh, tanto, que está presente en multitud de sus obras como ocurre con el lienzo que hoy escogí : "Barcas en la playa". (Pueden aparecer varios títulos referentes a esta obra).

En la obra se ven varios barcos varados en la arena, a orillas del Mar Mediterráneo, y es que el tema de la marina también se encuentra en las obras más destacadas del pintor holandés. En un segundo plano se aprecian otras embarcaciones que se dirijen mar adentro. Las tonalidades tan vivas también se observan en esta tela, con el uso de colores rojizos, verdes o amarillos intensos. Aquí Vincent se afana por mostrarnos toda una gama de colores que realmente captan la atención del espectador (también muy característico del artista el empleo de colores muy vivos en sus obras). Presta un mayor detallismo en las embarcaciones, mientras que para el resto de la composición trabaja con pinceladas más sueltas y rápidas. Aquí también trabaja todo el contorno de las barcas al igual que hicieran otros artistas como Gauguin en su obra. La línea del horizonte la cual divide la composición en dos partes la toma Van Gogh como referencia del Barroco Holandés (corriente artística que el artista admira y que estudia a fondo para porteriormente plasmar en sus trabajos).

Autorretrato dedicado a Gauguin (1888)

En otras ocasiones os he hablado de la relación entre Vincent y Gauguin y de los continuos altibajos que sufrió la misma debido al fuerte carácter que tenían ambos artistas y que les llevaban a menudo a mantener enfrentamientos a veces por asuntos sin mayor importancia. Hoy pretendo analizar esta obra y dar a conocer un poco más el significado de la misma. Porque a veces hay que mirar más allá de la pintura y conocer el lado más humano de las personas para poder entender porqué aplicó así esa pincelada, porqué empleó ese color o porqué escogió ese tema. Y para conocer la obra de Vincent también hay que estudiar su vida porque de esta manera podremos imaginarnos realmente como era nuestro admirado pintor.

Van Gogh propuso a Gauguin compartir su "Casa Amarilla" en Arlés, pero antes mantuvieron una serie de correspondencia entre ambos, al igual que ocurriese entre Théo y Vincent. Es por eso que ambos artistas decidieron intercambiarse una serie de autorretratos entre los cuales se incluye la obra que trato en esta entrada. Aunque en este período la convivencia entre ambos sería muy breve apenas dos meses hasta que ocurriese el incidente que provocó la autolesión de Van Gogh.

En este lienzo Vincent aparece con el cabello bastante recortado, la barba afeitada, incluso con un elegante traje (quería transmitir muy buena imagen a Paul). Según los expertos, por su pose guarda cierta semejanza con los retratos de la pintura flamenca (en concreto de la obra de Alberto Durero, pintor destacado al cual admiro profundamente). El oscuro color de la chaqueta contrasta con la pincelada azulada profunda del fondo. Los contornos son delimitados por lineas muy marcadas, mostrando especial interés por marcar la silueta de la figura. El rostro del artista está realizado con pinceladas muy cargadas de pintura (empastamiento).

Sus ojos muestran claramente sus sentimientos (parecen brillar de ilusión ante la llegada de su amigo Gauguin). En general la obra muestra lineas muy puras, colores perfectamente estudiados para llevarlos a la tela y un especial interés por intentar transmitir el momento personal que estaba atravesando ante la inmediata llegada de Paul a Arlés.

Debate sobre su última obra

Saludos desde mi rinconcito de nuevo. Ante todo quiero deciros que he permanecido un tiempo sin escribir en mi blog porque estuve de viaje por Italia y a la vuelta tras ese periodo me fuí a mi pueblo a Granada y ahora que estoy de regreso me dispongo de nuevo a continuar mi labor en este blog. Bueno esta nueva etapa la afronto con nuevas ideas y conocimientos que espero plasmar en este mi espacio de ahora en adelante, aunque conservando la esencia que me llevó a iniciar este tributo personal a Vincent en la medida de mis posibilidades.
Y aunque este tiempo no haya escrito en mi blog he seguido buscando información sobre su vida y obra y visitando alguna de sus obras, pero de esto ya hablaré en otra entrada más adelante...

Resulta que hace un par de días nos reunimos un grupo de amigos que nos conocemos desde hace ya bastantes años y surgió hablar sobre este blog. Y entre un tema y otro salió el debate sobre la obra de Vincent considerada como la última. Y ahí se distinguen diversos puntos de vista, porque para mi y para un amigo coincidimos que su última obra es "Campo de trigo con vuelo de cuervos", pero en cambio para otros la última obra sería la titulada "Campos". Se piensa que fué pintado este lienzo hacia el 10 de Julio de 1890, casi dos semanas antes de que falleciese Van Gogh.

La clave parece ser una carta que escribió a su hermano Theo y que nunca llegó a entregarle: "Hay vastos campos de trigo bajo un cielo agitado y no he tenido que esforzarme mucho en expresar la tristeza y la extrema soledad. Confío en que puedas verlos pronto porque pienso llevarlos a París cuanto antes ya que creo que esos lienzos te dirán lo que yo no puedo expresar con palabras: la salud y la fuerza regeneradora que veo en el campo". Aunque si la analizamos no muestra signo alguno de tener intención de suicidarse como ocurriría dias después desgraciadamente. Claro que también por otra parte Vincent llevaba demasiadas crisis a sus espaldas y muchos altibajos emocionales que le habían pasado factura desde mucho tiempo atrás y quizás un momento que para otra persona sería de agotamiento o melancolía para el acarreó el suicidió un caluroso dia de Julio de 1890.

Opiniones hay y muchas sobre esta obra, aunque yo personalmente creo que aunque cada persona juzgue por si misma cual cree que fué su última obra algo de "leyenda o misterio" quedará presente para siempre en la etapa final de la vida de Vincent.

Ahora quisiera conocer vuestras opiniones sobre este tema y así intercambiar ideas con otros apasionados de la vida y obra de Vincent Van Gogh, estoy muy interesada en conocer vuestros puntos de vista.

Joven campesina con sombrero de paja (1890)

Hoy quiero profundizar un poco y tratar el tema del retrato en la obra de Van Gogh, puesto que tiene una gran importancia y lo emplea en sus diversas etapas con bastante frecuencia. He escogido la obra titulada Joven campesina con sombrero de paja (1890). En mi opinión, cuando Vincent retrataba a una persona iba más allá de mostrarnos como era físicamente, el realmente quería enseñarnos el interior de las personas, sus sentimientos, sus costumbres, en definitiva, "el alma de las personas mostrado ante nuestros ojos".

El reflejó como nadie la ruda y terrible vida en la mina a través de los obreros plasmados en numerosas telas (tema que traté en mi blog en una entrada anterior), la fatiga de los campesinos en obras como La siesta o Los segadores. Igual se esmeraba en mostrarnos la dulzura de un crio, que la tristeza de unos obreros fatigados con el rostro casi desfigurado tras una ardua e intensa jornada de trabajo . Y esto es lo bueno de este artista, que intenta mirar más allá y se involucra para mostrarnos el lado más humano y profundo de las personas, plasmando el vivo reflejo de la sociedad de aquellos años. Porque ante todo Van Gogh quería que su arte fuese por y para el pueblo y que todo el mundo pudiese llegar a el sin distinción de clases.

En este lienzo de la Joven campesina, la persona aparece prácticamente de cuerpo entero, con las manos reposadas en su delantal, y tras ella un tupido campo de trigo con algunas amapolas. Al igual que ocurre con otras obras en este periodo, la pincelada se extiende más en el lienzo, aunque bastante cargada de pintura. También muy significativo el uso del contraste de colores (tonos amarillos intensos y violetas), pero perfectamente combinados. Sin embargo, aquí el artista si emplea sombras como podemos observar en el sombrero y en el rostro de la joven. Vuelve a utilizar para delimitar los contornos la línea negra, haciendo con esto un mayor resalte de la figura.

Van Gogh siempre buscaba la inspiración a su alrededor y en el tema del retrato toma como modelos a la gente del lugar como en este caso la joven campesina, pero también caben destacar el cartero Roulin, la arlesiana, los mineros, el doctor Gachet...en resultado, las personas con las que entablaba su día a día.

Jarrón con lirios (1890)

Esta obra que voy a tratar hoy, fué llevada a cabo por Vincent en la primavera de 1890. Durante este periodo, permaneció ingresado en el hospital de Saint-Paul. Van Gogh salía a menudo al hermoso y colorido jardín que había allí y recogía multitud de flores. Éstas servirían al artista como modelo para posteriormente plasmar en sus obras. Y es de aquí de dónde surje la idea de llevar a cabo "Jarrón con lirios".
Hay quien compara esta obra con Los Girasoles, pero hay que tener en cuenta que se llevaron a cabo de manera muy distinta; cuando Vincent pintó Los Girasoles atravesaba una buena etapa (estaba preparando esta obra para la llegada de Gauguin a Arlés), no estaba recluído en un sanatorio como ocurre con Los lirios, (debido a una de sus terribles crisis). Pero si es cierto que el colorido empleado y la opción del uso del fondo amarillo están presentes en ambas obras. Vincent escogió para pintar flores en un jarrón en numerosas ocasiones, empleando flores tan diversas como coloridas (lirios, amapolas, rosas, geranios....).

Aunque estaba internado, siempre tuvo en mente continuar con su trabajo hasta el último momento, y debido a que no podía salir al exterior, pensó hacer una serie de pinturas tomando como ejemplo los lirios y las rosas. Si analizamos la obra, el fondo amarillo con tonos planos pasa a un segundo lugar, aquí el artista quiere dar todo el protagonismo a los lirios, esmerándose en cada pincelada. Se recrea en los contornos para darle un resalte mayor al jarrón, el cual reposa sobre una superficie en tonalidades ocre. Podemos destacar que el lienzo tiene cierta influencia de la pintura japonesa si tenemos en cuenta la admiracion de Vincent por esta pintura y el empleo de pinceladas planas para los fondos (muy característico de la estampa japonesa) así como la ausencia de sombras en la misma.

Van Gogh se esmera en cada pincelada que aporta a los lirios, otorgándoles una sensación de dinamismo, muy propio de su obra. El uso de los colores complementarios (pilares clave de esta pintura el amarillo y el morado), ya fué iniciado por Delacroix, pero es durante el Impresionismo cuando se emplean por un mayor número de artistas. El color que usaba Van Gogh nos puede servir de herramienta para comprender los sentimientos del artista; por ejemplo en esta obra la elección de usar estos colores opuestos puede relacionarse con el estado nervioso y contrariado que estaba atravesando y que le llevó a ser internado. Pero esto sólo es mi opinión personal y a cada persona su obra nos transmite sensaciones y sentimientos muy diversos...¿Qué os parece a vosotr@s?...

Casas en Auvers (1890)

A lo largo de la trayectoria artística de Vincent se desarrollan numerosas etapas como esta en concreto que pretendo tratar hoy, sus últimos meses de vida en Auvers. Durante estas distintas etapas, la pintura de Van Gogh también refleja su situación personal; esto se nota en el modo de emplear la pincelada, el colorido, los temas que plasma... Por eso, conociendo su vida, podremos asociar su obra a un periodo u otro. En esta etapa próxima al suicidio, Van Gogh refleja como nunca su estado de ánimo y esto sucede con esta obra "Las casas de Auvers". La idea de pintar las viviendas de Auvers es empleado con bastante frecuencia en estos últimos meses por Van Gogh. Y aquí es dónde hay que ver lo gran artista que era porque de un tema que para otra persona puede pasar como algo común, el lo transforma en una auténtica obra de arte y le dedica con gran esmero sus horas de trabajo para intentar que la tela quede con el mejor resultado posible, esforzándose en cada pincelada que dá. Aquí Vincent opta por emplear tonalidades oscuras contrastadas cuidadosamente con colores brillantes.

Fijaros en ésta obra; esto queda reflejado como podemos apreciar con los colores malva y amarillo o con el verde y rojo de los tejados de las casas. Es importante destacar que el uso de los colores complementarios fué muy empleado por los artistas impresionistas, y Van Gogh lo lleva a cabo en multitud de obras suyas. La pincelada que usa está muy cargada de pintura. Son trazos enérgicos, pero muy precisos. Crean una sensación bastante clara de dinamismo como podemos apreciar en la vegetación y en el cielo. Precisamente los cielos de Van Gogh son muy "especiales", porque están cargados de mucho movimiento (parecen que las nubes no paran de moverse constantemente) y a esto también contribuye el empleo de tonalidades tan acertadas y coordinadas que realiza en sus obras.

Desde mi punto de vista, es un artista que arriesga mucho pero que también acierta tanto en la combinación de colores, como en la perspectiva que escoge para plasmar sus temas. Y esto lo valoro mucho, ya que le otorga a cada obra un toque muy personal y por tanto no imita a otros artistas. Sus trabajos son el claro reflejo de su personalidad y eso merece mi admiración total.

El barrio Vessenots en Auvers (1890)

Saludos desde mi rinconcito particular...Hoy la pintura que trato tiene un significado especial. Esta es la primera obra de Vincent que yo pude ver cuando tenía 16 años, en Madrid en el Museo Thyssen. Cuando la tuve frente a mi pude hacer realidad mi sueño, poder contemplar una obra de mi artista preferido. Luego, por circunstancias de la vida, he tenido la ocasión de volver a ver esta obra de nuevo y otras muchas otras de él y espero en Junio volver a tener frente a mis ojos la obra de Van Gogh, ya que tengo en mente planeada una pequeña escapada a Madrid...

Tras haber pasado una temporada en el sanatorio de Saint-Rémy a consecuencia de una de sus últimas crisis, Vincent decide pedir el alta voluntaria y trasladarse a Auvers, lugar en el cual vivió hasta acabar sus días. Durante este último periodo trabajó de una manera agotadora día a día, sin apenas descansar. Es en esta etapa cuando realiza este lienzo, El barrio Vessenots en Auvers. Aquí vivía el Doctor Gachet. En mi opinión el cuadro es una mezcla de sensaciones; por un lado el colorido es "encantador", con un uso exquisito del color, ya que emplea tonos amarillos, verde pistacho, azul. o blanco, (el color blanco estuvo reflejado en esta última etapa de su vida en multitud de sus obras). Esta armonía de colores se mezcla con unas pinceladas intensas y muy marcadas, con trazos en continuo movimiento (dan sensación de inestabilidad o nerviosismo). Destaca el amplio paisaje con trigales, el cual ocupa la práctica totalidad del cuadro, y al fondo en un segundo plano las casas de Vessenots y las colinas.

Creo que Vincent quería transmitir una sensación de libertad en esta obra, cómo una "liberación" después de haber pasado un tiempo ingresado en el Sanatorio de Saint- Rémy. Y para ello empleó colores muy luminosos así cómo una amplia perspectiva para plasmar este trabajo. Aunque también estaba atravesando momentos personales muy duros en estos últimos meses de vida, los cuales acabarían llevando a Van Gogh al suicidio. Esta inestabilidad emocional se palpa en sus pinceladas y queda reflejado en sus últimos trabajos. Sin lugar a dudas una obra plagada de sentimientos y sensaciones encontrados, y cómo no, de ese toque de misterio que rodea la vida y obra de Vincent.

Almendro en flor (1890)

Saludos a todas y todos desde mi rinconcito! He pensado hablaros de esta obra de Vincent porque me transmite muchos recuerdos, por diversos motivos: fué de las primeras obras que conocí del artista, me transmite alegría y paz por el colorido y el hecho de escoger estas bonitas flores. Además me trae recuerdos de mi pueblo porque cuando me asomaba a la ventana de mi casa veía los almendros en flor y sabía que la primavera empezaba a asomarse frente a mis ojos.

El significado de la obra no puede transmitir más ternura; Vincent se entera en enero de 1890 que ha sido tio, y es que Johanna la esposa de su hermano Théo ha dado a luz a un niño, al cual llaman Vincent Willem cómo su tío y padrino. Van Gogh al enterarse de esta feliz noticia está radiante y pleno de felicidad. Es por ello que decide dedicarle una obra a su nuevo sobrino. Y de ahí la idea de este bonito lienzo. Las hermosas flores blancas del almendro simbolizan el nacimiento de una nueva vida.

Cuando Théo y Johanna reciben el cuadro les parece tan hermoso que deciden colgarlo en la pared sobre la cuna del pequeño Vincent Willem.

El pintor se esfuerza en acabar con la mejor precisión esta bella tela y se afana en ello. Aquí se aprecian las pinceladas con más seguridad, el trazo es más preciso. El fondo pasa a un segundo plano para dar un mayor protagonismo al almendro y a sus delicadas flores. Vincent marca el contorno de las ramas con una línea oscura. El uso del tema floral presente en esta obra hace recordar la admiración que sentía Van Gogh por las estampas orientales.

Os voy a recordar lo que escribió Vincent a Théo en relación a esta obra: "El trabajo resultó bien; el último cuadro fueron ramas en flor. Ya verás, de mis trabajos es quizás el he pintado con más paciencia y mejor, con mucha calma y pinceladas más seguras".

El Tejedor (Nuenen 1884)

En Septiembre de 1883 finaliza su estancia en la Haya y viaja sólo a Drente tras su ruptura con su mentor Mauve. Se refugió en una soledad que se hizo demasiado dura para Vincent, pero que le acompañó prácticamente toda su vida de una u otra manera.

A los tres meses regresó a su casa de Nuenen para instalarse en un estudio en una casa vecina a la parroquia. Allí pintó en mayo de 1884 El tejedor. Este aparece sentado frente a su telar, y en primer plano la gran maquinaria que ocupa casi todo el cuadro. En sentido metafórico Vincent quería dar la sensación de que la máquina "se tragase a la persona haciéndole formar parte de esta".

Merecen destacar la escasa luminosidad de la lámpara, así como la dureza del esfuerzo del obrero y la dignidad de la vida del trabajador. Aquí queda reflejada la implicación de Van Gogh en mostrar la dura vida de los obreros implicándose el mismo en sus trabajos como ocurriese en la mina. El también era un marginado y sabía lo duro que era sobrevivir en un momento social tan complicado. En su primera etapa son muchas las obras en las que aparecen campesinos, mineros, tejedores...

Era totalmente opuesto a la industrialización y al mundo de las máquinas, el cual "degradaba al ser humano", según sus propias palabras. Según Vincent: "el arte debía ser del pueblo y para el pueblo".

Sobre el tejedor se refirió: "En cuanto al trabajo, tengo entre manos un cuadro de grandes dimensiones sobre un tejedor. Con el telar de frente y la figura - una silueta oscura - recortada contra la pared blanca... Estos telares me van a dar todavía muchos quebraderos de cabeza, pero son unos temas tan hermosos, toda esa vieja madera de encina contra una pared grisácea; estoy plenamente convencido de que es bueno pintarlos". (Carta a Théo, 1884).

Gachet

Paul Gachet nació en 1828. Estudió medicina y realizó multitud de estudios sobre todo tipo de enfermedades mentales, aunque se preocupó especialmente por la "melancolía". Pero no solamente era médico; era un auténtico apasionado de la pintura. El mismo llegó a realizar varias obras y era un coleccionista de obras de pintores poco conocidos.

Cuando se instala en Auvers todo tiene otro sentido para el. Y es que este lugar se convirtió en refugio de inspiración para multiud de artistas, entre otros muchos para Vincent Van Gogh.

Trató a numerosos artistas cómo ocurriría con Pissarro. Esto hizo que conociera a pintores de la talla de Cézanne o Guillaumin. De hecho, Théo el hermano de Van Gogh pidió ayuda a Pissarro para intentar trasladar a su hermano de Saint - Rémy a Auvers y este le recomendó al prestigioso Doctor Gachet.

Van Gogh diría de él: "He encontrado en el Doctor Gachet a un amigo... y algo como un nuevo hermano, así de parecidos somos física y moralmente también. El es muy nervioso y también muy extraño" (escrito el 3 de Junio de 1890). "Lo que más me apasiona es el retrato, el retrato moderno. No busco hacerlo a través de un parecido fotográfico, sino por medio de la expresión de nuestras pasiones, utilizando nuestra ciencia y gustos modernos en cuanto al color. Así el retrato del Doctor Gachet nos muestra un rostro del color de un ladrillo recalentado y tostado por el sol, con la cabellera pelirroja y una gorra blanca, en un entorno con paisaje de fondo de colinas azules y su traje es azul ultramar".

Vincent y la vida en la mina

Wasmes, Abril de 1879

"No hace mucho he hecho una excursión muy interesante, he pasado seis horas en una mina. Y además en una de las minas más viejas y más peligrosas de los contornos, llamada Marcasse. Esta mina tiene muy mala reputación a causa de los muchos accidentes que en ella se producen, tanto en el ascenso como en el descenso, tanto a causa del aire asfixiante o de las explosiones de grisú, como del agua subterránea o del hundimiento de antiguas galerias. Es un lugar sombrío y a primera vista todo en su proximidad tiene un aspecto melancólico y fúnebre.

Los obreros de esta mina son generalmente personas demacradas y pálidas de fiebre, tienen el aspecto fatigado y gastado, ajado y viejo antes de tiempo, las mujeres en general están descoloridas y mustias. Alrededor de la mina están las viviendas miserables de los mineros, con algunos árboles muertos y completamente ahumados, hileras de arbustos, montones de basura y de cenizas, montañas de carbón inutilizable,etc. Maris habría hecho un cuadro admirable".

Cuesmes, 20 de Agosto de 1880

Querido Théo:

"Si no me equivoco , tú aún tienes los trabajos de los campos de Millet. ¿Quieres tener la bondad de prestármelos por cierto tiempo y de enviarmelos por correo?

Debes saber que estoy esbozando grandes dibujos según Millet y que dibujo Las horas de la jornada y también El sembrador.

He garabateado un dibujo que representa a unos carboneros que van a la mina por la mañana, en medio de la nieve, a lo largo de un sendero bordeado por un seto de espinas, sombras que pasan y se distinguen vagamente en el crepúsculo; al fondo se esfuman en el cielo las grandes construcciones de las minas.

Te envío el croquis para que puedas imaginártelo. Pero siento la necesidad de estudiar el dibujo de la figura en maestros como Millet, Breton, Brion o Boughton u otros. ¿Qué me dices del croquis? ¿Te parece buena idea?..."

La siesta (1890)

En primer lugar quiero disculparme por no haber podido escribir antes pero es que llevo unos dias que no paro; entre hacer las tareas en casa, ir a trabajar, hacer la compra,etc (y un montón de cosas más)...no he tenido tiempo. Y ahora que encuentro un poco de calma os quiero escribir un poquito. He pensado que hoy os hablaré de La siesta (1890).

Van Gogh era un artista que se inspiraba mirando a su alrededor, viendo la gente como trabajaba, las personas que se sentaban en el Café, las bonitas flores que florecían en primavera o las estrellas tan luminosas que brillaban en el inmenso firmamento. Aunque el para plasmar sus obras estudiaba la obra de otros artistas como ocurriese con este lienzo, en gran parte inspirado en una obra similar de Millet. Lo que no cabe duda es que siempre inspiraba a sus trabajos su toque tan personal, tan único y tan "misterioso", si me permitís la palabra.
Vincent realizaría a lo largo de su trayectoria artística multitud de obras basadas en lo cotidiano, la vida diaria, los hábitos y costumbres populares. En este caso refleja a unos campesinos descansando en un momento de su jornada de trabajo. Quizás fatigados tras un dia caluroso y arduo. Reposan sobre un gran montón de paja y junto a ellos destacan en un primer plano sus hoces y un par de zapatos que el hombre se ha descalzado buscando algo de comodidad. Al fondo a lo lejos se aprecia un carro junto a unos animales, empleado por los segadores y otro gran montón de paja. El color amarillo empleado por Vincent es muy intenso. Este color lo empleó mucho para realizar sus obras.
Van Gogh adoraba el campo, pasear y ver la gente trabajando, ganándose el sustento (como ocurriese con Los comedores de patatas, los cuales ellos mismos cultivan los alimentos que después ingieren). Le entusiasmaba adentrarse en los amplios campos de trigo, los campos de amapolas, siempre con su caballete al hombro y una tela junto a un puñado de pinturas.
Y lo principal es que admiraba cómo la gente se ganaba el pan con tanto esfuerzo y sacrificio. El sabía muy bien lo duro que era conseguir un poco de dinero para comer o para comprar material con que realizar sus obras. Por eso respetaba tanto a estas personas, y que mejor medio para demostrarles su admiración que reflejar sus tareas, sus trabajos y sus costumbres que a través de lo que el tan bien sabía hacer, pintar.

Fragmentos de Cartas a Théo

Buenas noches. Hoy he pensado dejar escritas estos fragmentos de cartas que he rescatado del libro: "Cartas a Théo". Cuando vas leyendo sus cartas ( son como una especie de diario), puedes comprender mejor muchas de sus obras, de los momentos que pasó. Es un recorrido por la vida y obra de Vincent de la mano de las palabras que le escribiría a su adorado hermano Théo. Dicen así:

Amsterdam, 18 de Agosto de 1877:

"Me había levantado temprano y vi los obreros que llegaban a la obra con un sol magnífico. Te habría gustado ver el aspecto particular de ese río de personajes negros, grandes y pequeños, primero en la calle estrecha dónde había muy poco sol y luego en la obra. Después desayuné un trozo de pan seco y un vaso de cerveza; es un medio que Dickens recomienda a los que están a punto de suicidarse, como particularmente indicado para alejarlos durante un tiempo todavía de su proyecto. Y aunque no se esté del todo en esta disposición de espíritu, es bueno hacerlo de tiempo en tiempo, pensando en el cuadro de Rembrandt Los peregrinos de Emaús."

Wasmes, Junio de 1879:

No conozco mejor definición de la palabra arte que ésta: "El arte es el hombre agregado a la naturaleza, la realidad, la verdad, pero con un significado, con una concepción, con un carácter, que el artista hace resaltar, y a los cuales da expresión, "que redime" que desenreda, libera, ilumina. Un cuadro de Mauve o de Maris o de Israels dice más y habla más claramente que la misma naturaleza."

Wasmes 15 de Octubre de 1879:

"Una mejora en mi vida - ¿no la aspiraba, no tenía necesidad de ella acaso?- . Quisiera mejorarme aún más. Pero precisamente porque lo aspiro tengo miedo de "remedios peores que el mal". ¿Se puede ser riguroso con un enfermo si se entera del valor de su médico y si prefiere no ser curado al revés o por un charlatán?."

Autorretrato con la oreja vendada y pipa (1889)

En este retrato podemos apreciar la imagen del pintor tras haberse amputado la oreja durante la discusión que mantuvo con el pintor Paul Gauguin y que desembocó en una de las crisis más graves que tuvo Van Gogh. Cuando se cortó la oreja acudió a un club nocturno y la gente que se encontraba allí fué la que avisó a la policia que se desplazó hasta el lugar. La noticia corrió como la pólvora y en apenas unos minutos la multitud abarrotaba el lugar. Hay que decir que esta obra fué realizada tan sólo unos dias después de que sucediesen los hechos.

En la tela Vincent aparece con el rostro serio, fumando tabaco en su pipa como a el tanto le gustaba, de hecho hasta el último suspiro de vida estuvo fumando en su cama. Contrastan los colores empleados; el fondo es casi plano usando el rojo intenso para contrastar con el verde del abrigo que porta Vincent. Este juego de contrastes ya lo empleó en otras obras como el Café de noche interior. Quizás podemos relacionar este uso de contrastes con el estado psíquico del artista y calificarlo como un simbolo de identidad empleado en determinadas obras.

Café de noche interior (Arlés 1888)

Hoy quisiera detenerme y hablar un poco de Café de noche interior. Al igual que ocurriese con Café de noche exterior el artista plasmó el café que se encontraba en la Place Lamartine en Arlés, sólo que esta vez lo quiso pintar desde el interior. Como ya os comenté en el blog, Van Gogh frecuentaba este café asiduamente, era un lugar de reunión de gente muy diversa. Allí se encontraban desde artistas a bebedores, prostitutas, cabareteras, a gente que iba simplemente a tomar una copa y vivir el ambiente de aquellos años en Arlés.

En esta tela Van Gogh emplea los colores con una firme decisión sin temor a errar usando verdes y rojos intensos a modo de contraste. Con una pincelada muy marcada.Un detalle a destacar sería la iluminación de las lámparas del techo muy acentúada al usar Vincent una serie de pinceladas muy definidas para crear esta sensación de luz dentro del café. Deteniéndose en el perfil de las figuras y objetos para resaltarlos, mostrándonos una obra con una profunda expresividad. Utilizó una pincelada rítmica, con mucho movimiento pero muy acertada.

El cuadro refleja tal cual la sociedad de la época, si lo miramos con detenimiento es como si nos trasladasemos a aquel periodo, porque la realidad evoca a ello. Es como si el espectador de la obra estuviese dentro de la obra y esto debido al cuidado uso de planos en el lienzo. Van Gogh se refería así a la obra: "He tratado de expresar con el rojo y el verde las terribles pasiones humanas".

Campo de trigo con cipreses (1889)

Aunque Vincent es mundialmente conocido por pintar girasoles o lirios, no debemos olvidar que también llevó a cabo obras muy importantes tales como esta que hoy voy a relatar: Campo de trigo con cipreses.

Cuando Vincent pintaba lo hacía con mucha fuerza, poniendo todo su esfuerzo pincelada a pincelada. Se ponía como meta obtener el mejor resultado posible, y era realmente exigente con el mismo. Esto le ocasionaba importantes problemas personales, los cuales le desembocaron en algunas de sus más severas crisis. A él no le importaba no comer, o pasar horas y horas sin dormir, su meta era acabar la obra que estuviese realizando porque ya tenía en mente otras muchas otras. Y es que aunque tuvo una vida muy breve, fué un artista que realizó cientos de telas y dibujos, realizando varias obras en un sólo día.

Van Gogh escribió en una de sus cartas: "Los cipreses me preocupan siempre; quisiera hacer algo como las telas de los girasoles, porque me sorprende que nadie los haya hecho todavía como yo los veo". Cuando llegó a Saint-Remy se impresionó mucho al ver los cipreses. Y es por eso que quiso plasmarlos en algunas de sus obras. Hay que recordar que en este periodo Vincent vivió sus crisis más graves, pasó por momentos muy delicados de salud. Tocó el tema de los cipreses en otras siete obras.

Yo veo en la obra mucho dinamismo, con las destacadas formas de los cipreses, las ondulantes nubes del cielo, o las vivas pinceladas del trigal. El cuadro transmite mucha energia, mucha expresividad en cuanto al tratamiento que Vincent le otorga a la pincelada, y a la magnífica distribución del color en la tela. El cuadro me transmite el estado de ánimo del artista.

La Silla (1888)

Van Gogh se entusiasmaba pintando todo cuanto veía a su alrededor. Todo lo que acontecía ante sus ojos era perfecto para plasmarlo en sus telas o en sus dibujos. También nos quería transmitir su lado más humano, más íntimo y personal, es por eso que en múltiples ocasiones plasmó los interiores de su casa; como ocurriría con la Habitación de Arlés o en este caso que hoy os quiero comentar sobre La Silla del artista.

Vincent pintó esta obra a finales de 1888, aunque no la terminó definitivamente hasta enero de 1889. No debemos dejar atrás que el artista realizó también durante este tiempo la obra Silla de Gauguin (aunque se le llama sillón para distinguirla de La silla de Van Gogh). Podemos clasificarla dentro de las naturalezas muertas o quizás una escena de interior con un marcado realismo. Vincent realizó multitud de dibujos en la escuela para dominar el tema de la perspectiva.

Si nos detenemos para analizar esta obra podemos observar que sobre la silla se encuentra la pipa que solía fumar Vincent y un sobre con tabaco. En el fondo aparece una caja con cebollas y una puerta. Cómo ya he mencionado en anteriores ocasiones, la obra de Van Gogh está cargada de simbolismo, es decir, desde mi punto de vista el lienzo me transmite soledad al ver la silla vacía, pero a la vez una clara alusión al pintor al dejar caer sobre esta su inseparable pipa de fumar y su tabaco preferido. Es como si nos abriese las puertas de su intimidad al dejarnos ver sus cosas personales, como sucede en este caso al mostrarnos la silla de su habitación. En psicología la silla vacía se relacionaba con la muerte o la ausencia. Quizás el nos quería transmitir mediante esta bella obra la soledad que sentía en Arlés.

El Père Tanguy (1887)

Julien Tanguy ( conocido como el père) fué gran amigo de Vincent y de muchos otros pintores impresionistas . El pintor le realizó cuatro retratos; el primero de ellos fué un óleo que pintó en 1887, luego hizo otros dos lienzos y por último un dibujo. Tanguy trabajaba de comerciante, vendía colores a los artistas en Montmartre (Paris). Luego se trasladó a la calle Clauzel dónde atendía una pequeña tienda. Siempre estaba dispuesto a ayudar a los artistas que no tenían ni para comer, y, aún menos podían pagarse el material para realizar sus obras. Cómo le ocurriese a Van Gogh, el cual acudía asiduamente a la pequeña tienda de la calle Clauzel para charlar con Tanguy y con otros artistas como Bernard, Cezanne...

En el retrato que os muestro en esta entrada podemos apreciar una persona con el rostro que refleja bondad, tiene la expresión de serenidad. Muy llamativo es el fondo de la obra, con claras referencias a la cultura japonesa. Y es que Van Gogh en su etapa de Arlés estudio con mucho interés este tipo de pintura, la cual reflejaría en alguna de sus obras, cómo en este caso sucede. Se guió por unas estampas japonesas para incluirlas en el lienzo, aunque el varió el color adaptándolas a su particular estilo y dándoles un toque muy personal.

La Casa Amarilla (Arlés 1888)

Cuando Vincent pintó La Casa Amarilla la describió así en una carta a su hermano Théo:

"Mi casa aquí está pintada por fuera de un amarillo manteca y las contraventanas son de un verde fuerte. Está situada a pleno sol, en una plaza dónde también hay un gran parque verde con plátanos, adelfas y acacias. Por dentro todas las paredes están blanqueadas y el suelo es de baldosas rojas. Por encima, el cielo de un azul intenso. En esta casa puedo verdaderamente vivir, respirar, reflexionar y pintar."

Durante el verano de 1888 Vincent salió constantemente a pintar por el campo. Le gustaba mucho pasear, respirar la brisa, oler las flores, dormir en el campo, ver los colores tan variados que se asomaban ante sus ojos. La naturaleza es un tema muy presente en la pintura de Van Gogh. Os dejo una referencia que hacía Vincent a este verano de 1888 en Arlés: "Ahora tenemos por aquí un calor espléndido, intenso y sin viento, lo que me viene muy bien. Un sol, una luz que a falta de mejor cosa no puedo llamar más que amarilla; amarillo de azufre pálido, limón pálido oro. ¡Qué hermoso es el amarillo!".

Quizás por eso ante esta buena etapa que pasó decidió darle a este lienzo ese color amarillo al que hacía referencia en sus cartas y que tanto le gustaba. Esta obra guarda un gran simbolismo, porque además de sus colores tan vivos que reflejaban la felicidad del pintor, la casa era el refugio de Vincent que tanto ansió tiempos atrás, un sitio que le inspiraba, dónde vivía en paz, dónde realizaba sus trabajos y dónde quiso formar una comunidad de artistas entre los que figuraban Paul Gauguin entre otros. Una casa que el mismo preparó con mucho esfuerzo para estos fines. En definitiva, era su ilusión, era simplemente la casa de Vincent.

Retrato de Eugène Boch (1888)

Para entender la pintura de Van Gogh conviene estudiar también su vida y conocer las distintas etapas por las que pasó durante su intensa vida. Porque él en su obra plasmaba su vida, sus sentimientos y sus momentos personales, tanto buenos como malos.

Cuando llegó a Arlés en febrero de 1888 vive una etapa de pesimismo pero entusiasmo a la misma vez. Su pintura es un reflejo del paisaje que le rodea, pero en cambio sigue sin vender una sola obra, viviendo continuas crisis. Pinta casi sin descanso, en apenas un año realiza más de cien acuarelas y dibujos y unos doscientos cuadros con un estilo muy personal. Los contornos son más claros, un decisivo trazo y emplea colores puros.

En agosto de 1888 escribió una carta en la que se refería así al lienzo "Retrato de Eugène Boch" ( pintor belga amigo suyo):

"Para terminarlo voy a ser ahora un colorista arbitrario. Exagero lo rubio de la cabellera, llego a los tonos anaranjados, a los cromos, al limón pálido. Detrás de la cabeza en lugar de pintar el muro banal del mezquino departamento, pinto el infinito, hago un fondo simple del azul más rico, más intenso que pueda confeccionar, y por esta simple combinación, la cabeza rubia, iluminada sobre este fondo azul rico, alcanza un efecto misterioso cómo la estrella en el azul profundo".

Van Gogh ahora pintaba empleando colores que el relacionaba con sus sentimientos y con su estado de ánimo. Esta teoría también sería empleada por los posteriores fauvistas. Cuando estás realmente frente a la obra te das cuenta de lo que Vincent nos quería hacer llegar. Al menos yo comprendí muchas cosas y me hizo pensar y reflexionar...

La habitación de Arlés (II). Carta a Théo.

En mi blog os hacia referencia a la Habitación de Arlés, sin duda una de mis obras favoritas. Hoy os quiero poner esta carta que escribiría Van Gogh a su hermano Théo en Octubre de 1888 en la que hace referencia a este lienzo, dice así:

"En fín, te envío un pequeño croquis para darte una idea a lo menos del giro que toma el trabajo. Tengo los ojos fatigados todavía; pero en fin, tenía una idea nueva en la cabeza y este es el croquis. Siempre tela de 30. Esta vez es simplemente mi dormitorio: sólo que el color debe predominar aquí, dando con su simplificación un estilo más grande a las cosas y llegar a sugerir el reposo o el sueño en general. En fin, con la vista del cuadro debe descansar la cabeza o más bien la imaginación.

Las paredes son de un violeta pálido. El suelo es a cuadros rojos. La madera del lecho y las sillas son de un amarillo de mantequilla fresca; la sábana y las almohadas, limón verde muy claro. La colcha, rojo escarlata. La ventana verde. El lavabo anaranjado; la cubeta azul. Las puertas lilas.
Y eso es todo - nada más en ese cuarto con los postigos cerrados. Lo cuadrado de los muebles debe insistir en la expresión del reposo inquebrantable. Los retratos en la pared, un espejo, una botella y algunos vestidos.

El marco - como no hay blanco en el cuadro será blanco. Trabajaré aún todo el día de mañana; pero ya ves que simple es la concepción. La sombra y las sombras proyectadas están suprimidas; ha sido coloreado con tintes planos y francos como los crespones. (...)

No te olvides de darme noticias de cómo van los colores. Espero que me escribirás uno de estos días. La próxima vez te haré un croquis de otras piezas.

Un apretón de manos. "

Van Gogh, de Maurice Pialat (1991)

Hoy os hablaré sobre Van Gogh de Maurice Pialat, otra de las peliculas que se han realizado sobre la figura del pintor.

Al igual que ocurriese con la pelicula El loco del pelo rojo, plasma la vida y obra de Vincent; en este caso se centra en el periodo de Auvers, los últimos meses de su vida, aunque también aparecen los esporádicos viajes que hizo a Paris para visitar a Théo su hermano. Con escenas de la vida nocturna parisina de la época.

Quizás a mi parecer en esta cinta se centra más en mostrar las relaciones personales del artista (principalmente con Gauchet y su familia). Se narra la historia de amor y amistad que Vincent vivió con la hija del doctor Gachet. Así como la amistad que tenía con otros pintores contemporáneos a él que solían visitar Auvers para llevar a cabo sus obras a orillas del Oise.

Quizás si hubiesen hecho más hincapié en su obra hubiese sido tan buena como la pelicula del Loco del pelo rojo.

El parecido del actor no es tan "real" como el de Kirk Douglas pero si que realiza una buena interpretación. Lo que si es cierto es que los paisajes y decorados son bastante buenos. Os recomiendo que la veáis si os gusta la vida y obra Vincent cómo a mi.

Ya me contaréis qué os ha parecido...

Carta de Vincent a Théo y Jo (21 de mayo de 1890)

En la otra carta se me olvidó darte las señas de aquí, que son provisionalmente plaza del Ayuntamiento en casa de Ravoux, y además, cuando te escribí, todavía no había hecho nada. Ahora tengo un estudio de tejados antiguos de caña, que tiene en primer plano un campo de guisantes en flor y trigo, sobre un fondo de colinas, un estudio que creo que te gustará.

Empiezo a darme cuenta que me ha sentado bien venir al sur para ver mejor el norte. Es como lo suponía, veo las violetas más en su lugar. Auvers es decididamente muy bello. Tanto que creo que será más ventajoso trabajar que no trabajar a pesar de que la pintura siempre está expuesta a golpes de mala suerte.

Es muy coloreado - hay bonitas casas de campo burguesas-, mucho más bonito que Ville d´Avray, etc. para mi gusto.

Parece ser que ha estado aquí Desmoulins, el que pinta el Japón, pero ya se ha ido. Si hacia el final de la semana pudieras mandarme dinero te lo agradecería. Lo que tengo me aguantará hasta entonces, pero no me dará para mucho más. Te pediría asimismo diez metros de lienzo, si no te supusiera un transtorno, pero si como estamos a finales de mes, esto no fuera posible, me podrías enviar veinte hojas de papel Ingres.(...)

Mi enfermedad sigue igual, estoy un poco desmejorado estos dias,; es que después de esta larga reclusión los dias se me hacen semanas.

Cuando puedas mándame para una temporada los Exercises au fusain de Bargue, los necesito sin falta. (...)

Un fuerte abrazo, Vincent.

Arlés (Agosto de 1888)

Carta a Théo:

¡Qué corta es la vida, y como es humo! Lo cual no es una razón para despreciar a los vivos, al contrario. Además tenemos razón para ligarnos más bien a los artistas que a los cuadros...

Ahora estoy preparándome con otro modelo: un cartero con su uniforme azul, engalanado de oro, gran figura barbuda, muy socrática, republicano furioso como el viejo Tangúy. Un hombre más interesante que muchas personas (...) no hay un camino mejor ni más corto para mejorar el trabajo que hacer figuras. Además, me siento siempre con más confianza haciendo retratos, sabiendo que este trabajo es mucho más serio - esta tal vez no sea la palabra - pero me permite mejor cultivar lo que tengo.

La última semana no he hecho uno, sino dos retratos de mi cartero, uno de medio cuerpo con manos y la cabeza de tamaño natural, el buen hombre no aceptó dinero, pero era más caro comiendo, bebiendo conmigo, y le dí además la Linterna de Rochefort. En fin, he ahí un mal pequeño y sin importancia, en comparación de lo muy bien que ha posado para esto, y espero también pintar su recién nacido para dentro de poco, porque su mujer acaba de parir".

Van Gogh se refería así a su amigo el cartero Roulin de Arlés, el cual ayudó mucho a Vincent en sus comienzos, entre otras cosas a buscarle hospedaje. Posteriormente se ofrecería para posar como modelo para el pintor tanto el como su familia. Durante este periodo Vincent realizó multitud de retratos de la gente de Arlés.

Sus comienzos (I)

Uno de los primeros dibujos que realizó Van Gogh fué con motivo del cumpleaños de su padre, hacia 1864. Dibujó un cobertizo y se lo regaló. Quizás el gusto por el arte lo heredaría de su madre Anna-Cornelia, la cual antes de casarse llevó a cabo varios dibujos y acuarelas. Algunos de estos dibujos que Vincent hizo fueron: una lechera, un viejo puente de piedra, un perro, (fechados en 1862), así como un capitel corintio, en 1863.

Intentaba esforzarse como un buen estudiante aplicado, realizando estos dibujos con una gran corrección. No hay duda, a Vincent le encantaba dibujar. Pero en Septiembre de 1886 abandonaría el colegio para trasladarse a Tilburg dónde viviría dos años. Pero el carácter y la actitud de Vincent cambiaron, y esto motivó a que regresase a Zundert. Las malas notas preocupaban a sus padres cada vez más. Van Gogh contaba ya con 15 años de edad.